Grundlæggende retningslinjer for koreografi for Ballet

Når du beslutter at koreografere din egen ballet danse, har du fuldstændig ytringsfrihed for din koreografi. Og det er som det skal være. Men kunstnere af alle slags har fundet, at de trives bedst, når de frivilligt underkaste sig visse begrænsninger. Den række af ballet bevægelser, for eksempel, er en "begrænsning", som en eller anden måde sætter fantasi de store ballet koreografer gratis.

Ideerne i de følgende afsnit, hentet fra århundreders store koreografi, giver dig en ramme for din frihed, et køretøj til din egen kunstneriske vision. Alle udtryksformer er gyldige - men disse ideer kan hjælpe dig i gang med succes.

Finde din inspiration - musik eller tema

Hvad gør en koreograf ønsker at oprette en særlig dans i første omgang? De fleste koreografer siger, at de som regel er inspireret af en af ​​to ting: musik eller temaet.

Når du hører et bestemt stykke musik, er du fejet væk i en ekstatisk hvirvelvind? Må farver og former og bevægelser straks melde sig for dig? Er du vild i tid og rum? Hvis ja, vi kender en god læge, der kan hjælpe. Men i mangel heraf stykket lyder som en god kandidat til koreografi.

Hvis der er en grundlæggende regel af koreografi, er det dette: De fagter skal en eller anden måde afspejle musikken. Hvad sætter succesfulde koreografer fra hinanden er, at deres fagter legemliggøre musikken smukt, som om hver musikalske udtryk var blevet skrevet netop for dem.

Et eksempel de fleste mennesker kan visualisere er dans Sugar Plum fe fra Nøddeknækkeren. Da celeste begynder at spille sin tinkly toner, ballerina danser adræt, fine små skridt, synes at flagre hen over scenen. Selvom forskellige koreografer kan have sat forskellige trin til denne musik i år, næsten alle af dem har forsøgt at skabe noget passende delikat.

Du kan lide at vide, at i den professionelle verden, hver eneste minut af dans på scenen er resultatet af cirka to timers koreografi og øvelse. Men hey, lad ikke at stoppe du.

En anden form for inspiration er behovet for at fortælle en historie. Storytelling er en af ​​vores ældste tidsfordriv, og dans er altid komme i handy til dette formål. Er en bestemt historie kalder på dig, blot behøver at blive udtrykt eller anden måde? Så hvorfor ikke gøre, at grundlaget for en dans?

Når fortælle en historie i dans, først beslutte, om du vil oprette en simpel fortælling fra start til slut, eller noget mere kompleks.

Sig for eksempel, at dit tema er historien om Hans og Grete. Bare tænk på alle de måder, du kan fortælle den historie. Du kunne vælge den lineære metode, viser Hans og Grete vandrer gennem skoven, droppe rasp, farer vild, sker på en slik hus, og få fedet op. Eller du kunne starte i slutningen af ​​historien, med børnene sprang åndeløst scenen for at fortælle dig, hvad de lige har oplevet.

Eller kan din dans blot fokusere på tegn på et tidspunkt i en historie. Hvordan den onde heks føler, når børnene bage hende i live? Måske hun kunne gøre en fortolkende dans at lade os vide. Dette udtryk af en øjeblik i tiden, teleskopisk ud for at vise den følelsesmæssige vægt, det indeholder, er grundlaget for 99 procent af alle digte, opera arier og populære sange - og det virker for dans samt.

At vide, hvordan du vil have koreografien til at se

Store koreografer næsten altid taler om deres "vision" af deres arbejde. Koreografer er stolte af deres visioner og vil fortælle dig om dem, indtil du beder dem om at stoppe.

Helt bogstaveligt, koreografer skabe et billede af dansen i deres sind, før angribe de praktiske grynet af koreografien. Hvorvidt de forestiller de faktiske trin ved første kan de forestiller den samlede "look" af stykket. Derfra kan de begynde at vælge de trin, der bedst passer denne vision.

Visionen kan omfatte kostumer, sæt, og designbelysning - selv i den professionelle verden, er specielle designere hyret til at konkretisere detaljerne i denne del af visionen.

Arbejde fra denne interne vision, koreografer derefter nedskrive deres ideer ved hjælp af dans notation - eller bare danse det selv på videobånd.

Udvikling af en ordforråd til dans

Den samme grundlæggende trin kan danser på mange forskellige måder. Så når du koreografere et stykke, du har en næsten uendelig række skridt til at vælge fra. Ordforrådet af dansen henviser til de særlige fagter og bevægelser, som du vælger at bruge - dem, der synes at afspejle din egen karakter og gøre din personlige stil.

Den rækkefølge, som du lægger de trin er vigtigt, også. Trinene skal synes at flyde fra den ene til den næste. For eksempel kan en arabesk ser godt når efterfulgt af en Failli. Men det ser dårligt efterfulgt af en backflip. Du skal bare føle disse ting.

Når du begynder at eksperimentere med forskellige sekvenser, er du sandsynligvis finde nogle, der føler lige noget for dig. Når det sker, kan du gentage disse sekvenser igen og igen - og dermed skabe et ordforråd, som du kan ringe til din egen. George Balanchine, for eksempel, var berømt for at følge en sauté i arabesk med en Jete Det var hans varemærke -. Ligesom Bob Fosse gjort et navn for sig selv med bowler hatte og slået-i benene (også kendt som pigeon tæer - tror Cabaret) .

Brug din fulde dance space

Her er en anden nyttig regel for choreographing dit eget arbejde: Brug fulde mængde plads, der er til rådighed. Ved udgangen af ​​dansen, bør alle områder af scenen er blevet trådt på mindst én gang.

Du bør også overveje at bruge utraditionelle områder - hvor du aldrig ville tænke på dans. Trapper, gangarealer, rækværk og andre niveauer af gulvbelægning kommer til at tænke. (Eller vandpytter - da Gene Kelly opdaget i Singin 'in the Rain.) Den uventede ofte hvor de mest inspiration ligger.

Når der dækker dit space, anbefaler vi at variere formen på din dans. Hvis du starter med et træk på en diagonal; så prøv at tilføje et cirkulært mønster senere. Eller vice versa. Stræk din fantasi - og holde dit publikum på tæerne.

Afslutning dansen, som du begyndte

En måde at gøre en dans føler kunstnerisk helhed er at "komme fuld cirkel." Og en måde at opnå dette er ved at starte og slutter dansen med det samme positur.

En endnu mere avanceret version af denne teknik er at ende i en lidt "udviklet sig" version af startposition. For eksempel, hvis dansen er en duet, overveje at skifte delene i slutningen, så kvinden ender som manden begyndte, og omvendt.

Denne teknik giver dansen en følelse af færdiggørelse, og det kan til tider være ganske gribende og bevægende. Hvem ved - måske har du dit publikum i tårer. På en god måde.


© 2020 Zajacperrone.com | Contact us: webmaster# zajacperrone.com